영화 <원스 Once>는 너와 나, 그와 그녀가 ‘우리’가 되는 지점을 어쿠스틱하게 연주한다.

 

 언어를 초월한 음악언어로.

 

 나뭇가지를 흔들어 깨우고 꽃을 피우는 바람처럼 음악은 사랑의 기류가 되어 실존을 증명한다. 한국 초연의 뮤지컬 <원스>*도 원작의 틀에 연극적 문법과 상징성을 부여한 연출로 더욱 선명해진 감성의 결을 보여준다. 깎아내고 다듬어진 텍스트는 관객을 위한 놀이가 되고, 그 중심에는 여주인공 ‘걸(Girl)’로 분한 배우 전미도(34)의 연기가 짙게 물들고 있다. 음각과 양각의 착시처럼 정형화되지 않은 그녀만의 개성은 무색무취의 강렬한 색과 향을 뿜어낸다. 전작(前作)과 전작(全作)의 이미지에 갇히지 않고 과감히 연기적 가면을 벗어던지는 예술적 태도는 이미지의 전복으로 치환된다. 연극 <메피스토>에서는 파격적인 ‘메피스토’로, <원스>에서는 능청스러운 외국인 연기와 연주로 “두렵지만 도전할만한 가치가 있는” 새로운 가면을 쓰고 있는 것이다.

  “<원스>는 악기 때문에 선택했어요. 새로운 걸 좋아해서 대학 때부터 이것저것 시도했는데, 그 마음가짐이 이어진 거죠. 감사히도 계속 기회들이 생겼고요. 그럼에도 불구하고 <메피스토>는 배우로서의 책임감 때문에 무서웠어요. 하지만 확신을 갖고 욕먹더라도 일단 해보자고 결심했죠. 마침 이 작품에 이런 대사가 나와요. ‘두려움 때문에 아무것도 못한다면 죽은 삶을 사는 것과 같다.’ <원스>도 마찬가지에요. 연주경험은 없지만 일단 오디션에 통과하면 1년의 시간이 있으니 죽도록 연습하면 될 거라 생각했죠(웃음).”

 연극 <신의 아그네스>로 대한민국연극대상 신인상(2008)을 수상한 후 연극과 뮤지컬 무대, 소극장과 대극장을 넘나들 수 있는 몇 안 되는 배우로 성장하면서 그녀에게는 늘 ‘믿고 보는 배우’라는 수식어가 붙는다. 이러한 믿음은 배우로서의 책임감으로, 이는 다시 성공을 위시한 외적성장이 아닌 내적성장을 지향한 배우의 진정성으로 수렴된다.

 “수상 이후 책임감이 늘 따라다녀요. 어떤 작품도 허투루 할 수 없죠. 그런데 누군가의 기대와 관심은 감사하지만 자꾸 그것만 의식하다 보면 작업의 재미를 잃는 것 같아요. 사실 사람들은 나에게만 집중하지도 기대하지도 않잖아요(웃음). 주인공이 작품을 이끌어가야 할 책임감 외에는 버리는 게 중요해요. 창작의 자유를 방해할 수도 있으니까요.”
감성적인 소구력을 지닌 스토리텔링과 음악을 비롯해 무대전환과 동선 하나까지 메타포가 숨겨진 <원스>에서는 전 배우들이 극 안팎으로 노출되면서 공연 내내 무대를 이끈다. 이러한 연극성은 음악에 대한 본질을 넘어 공연예술, 즉 무대의 본질까지 함의한다. 아날로그적 감성으로 작동하는 무대메커니즘이 작품의 색감과 질감을 결정짓고, 관객들은 배우들의 땀으로 쌓아올린 감성의 계단을 오르내리며 점점 ‘너’의 이야기에 ‘나’의 이야기를 투영시킨다.

 “노래가 직업이 되고 나니 예전만큼 행복하지 않을 때도 있어요. 기술적으로 발전해야할 부분들이 많아지니까요. 그러던 중 <원스>를 만났고, 음악이 우리 삶에 얼마나 중요한지, 두려움 때문에 시도조차 못하는 게 얼마나 어리석은지 깨달았어요. 이 작품이 겉으로는 사랑을 말하지만 결국 음악과 용기에 대한 이야기를 하잖아요. 부자연스러운 언어를 구사하는 체코이민자 ‘걸(Girl)’과 아일랜드인 ‘가이(Guy)’는 서로 다른 문화권에 속해 있지만 음악으로 소통하죠. 저도 해외 스태프들과 작업할 때 언어가 그리 중요치 않다는 걸 실감했어요. 인간의 감정을 음악적으로 풀어가는 과정은 일맥상통하니까요.”

 가녀린 몸을 뚫고 나오는 강인한 말투는 부드러운 카리스마를 지닌 그녀의 민낯에 닿아있다. 평범한 듯 평범하지 않은 ‘걸’이 주는 느낌과 성향이 자신에게도 있다며 수줍게 웃는 그녀는 허구적 진실과 사실적 진실의 간극에서 늘 고민하고 있다고 한다. 때문에 마음 켜켜이 숨겨진 아픔을 밝은 에너지로 희석시키려는 모습은 어쩌면 삶의 무대를 견뎌내기 위한 우리들의 가면과 닮아있지 않을까. 자기형성의 거울로서 말이다.

 “전체 이야기를 이해하는 작업을 하다 보면 이야기가 원하는 인물의 성격을 파악할 수 있어요. 이렇게 인물 분석을 마치고 무대에서 연기할 때, 연출은 배우의 거울이 되죠. 연출을 신뢰하며 그가 원하는 방향과 그림에 맞춰나가는 거예요. 극 안에 있으면 절대 밖이 안보이거든요. 저는 작품을 할 때 배역에 빠져있는 편인데, 완전히 동일하진 않아도 제 일부분이 투영되기 때문이에요. 나와 인물 사이에서 괴리감이 들 때도 많죠. 특히 <베르테르>의 롯데처럼 구구절절한 사랑을 받는 역할은 여전히 적응하기 힘들어요(웃음).”

 그녀는 <원스>에서 가장 좋아하는 넘버로 을 꼽았다.

 희망을 찾아 아일랜드로 온 체코이민자들의 좌절과 ‘가이’의 절제된 슬픔이 중첩된 몸짓들이 슬프도록 아름답기 때문이란다. 비언어적 요소로서 다양한 인간 군상들의 군무 아닌 군무는 삶의 무게만큼 굽이친다. 헝클어진 내면의 음성에 귀 기울이고, 그 울림의 반동으로 다시 시작할 용기는 작품의 제목처럼 누군가에게 한 번쯤은(Once) 찾아오지 않을까.

 “가이가 떠나면서 선물로 남긴 피아노가 등장하는 엔딩신은 너무 슬퍼요. 재회할 수 없는 두 사람이 처음 마음을 열며 부르던 노래 가 울려 퍼지잖아요. 작은 공간에서 두 사람만이 알던 노래가 어느새 전 세계인들의 노래가 되고, 음악으로 하나가 되어 서로 연결될 수 있다는 것이 경이로워요. 음악의 본성과 힘이 압축된 장면이죠.”

 음악의 본질이 관계와 만남의 연속성에 있듯, 그녀가 <원스>를 통해 처음 경험한 ‘합주’는 물리적 차원을 떠나 신뢰로 깊어진 내면의 목소리들의 ‘화합’이었다. 프리뷰 전까지만 해도 긴장감과 조바심에 안절부절 못한 시간들은 점염되듯 기쁨의 순간으로 바뀌어갔다.

 “(윤)도현오빠가 초반에 고생 많이 했어요. 빨리 갈 부분도 느리게 가면서 저에게 맞춰주고 기다려 주셨거든요. 아직도 첫 연주신은 너무 떨려요. 아마 마지막 공연까지 그럴 것 같아요(웃음). 그래도 가끔 피아노 치시는 분들이 ‘처음 연주하는 것 같지 않다’고 해주시면 큰 힘이 되요. 이렇게 <원스>는 관객뿐만 아니라 저에게도 용기와 힐링을 주고 있어요.”

 소녀에서 요부, 악마에서 천사까지 선악이 공존하는 배우의 얼굴은 무엇이든 그릴 수 있는 캔버스가 된다. 앞으로 소극장 코미디든 거칠고 센 역할이든 모두 해보고 싶다는 그녀는 스스로를 ‘흰색’으로 명명한다.

 

  흰 바탕에 채색될 다양한 색처럼 그저 “오랫동안 하는 게 꿈”이라는 소박한 말 속에는 단단한 연기의 생명력이 담겨있다. 깊이와 길이만으로 뿌리내릴 아름드리나무처럼.


글. 사진/ 김신영 기자

copyrightⓒ월간에세이



*2012년 토니상 12개 부문 노미네이트. 8개 부문 수상(베스트 뮤지컬상 포함).